セッション2 創造都市における芸術家の役割創造都市のネットワークにおける芸術家の役割アン・マークセンミネソタ大学ハンフリー公共政策研究所教授／地域および産業経済プロジェクト担当ディレクター Ann Markusen 1964年、ミネソタ生まれ。ジョージタウン大学卒業後、ミシガン州立大学文学修士課程・博士課程修了（経済学博士）。ニュージャージー州立ラトガーズ大学教授を経て、現職。専門は芸術・文化と経済開発、地域経済学および産業組織論。ウィリアム・アロンゾ記念賞を受賞。これまで、外交評議会上級研究員、北米地域研究協会会長、国際貿易におけるダンピング関税に関する大統領諮問委員会メンバーなどを歴任。文化産業と文化的職業アーティスト（芸術家）というのは、創造都市においてとても重要な役割を担っています。私は、経済発展に関連して各種の職業について研究をしているのですが、アンディ・プラットさんは、職業というのは要するに個人のテーマであると言っていました。しかしながら、職業というのは社会的に生みだされた存在であるということを申しあげ働者ということになりますと、だいたい各州とも同じような数字になります。こういう文化的労働者という人たちが文化産業で仕事をしているのですが、文化産業だけを対象として文化的労働者が仕事をしているわけではありません。よって、文化産業と文化的労働者との間には重複している側面がありますが、同じではなく、まったく重なりあうわけではありません。たいと思います。その一環として芸術家というのは組織をとおして、あるいは物理的な空間をとおして、お互いにたくさんのネットワークをもっています。そこで、単に産業という観点からではなく、芸術家という職業の観点からお話をしていきます。本日は、創造的職業が、いかに創造産業を有する創造都市のネットワーク形成を促進しているか、また、中核的な文化労働者として芸術家がいかに都市間のネットワークづくりに役割を果たし、その先兵役となっているかについてお話しします。さらに、文化的職業が創造産業といかに相互作用をもっているか、どのような戦略で都市や各地域が芸術家を主たる文化労働者、ネットワーキングづくりの促進者として活用できるか、育てられるかというお話をしたいと思います。まず文化産業と文化的職業についてです。産業を切口として見ますと、産業とはさまざまな労働者を雇っている企業から成っていて、労働者が何をつくるかという観点から考えることができます。例えば映画産業、あるいは鉄鋼をつくる鉄鋼産業という考え方です。しかし、職業という切口から見ますと、同じ経済を見るにしても同じようなトレーニングやスキルをもった人たちで、企業に対して労働力を提供し、財やサービスを提供する。その一群の人たちがひとつの職業を形成するわけです。要するに労働者として何をつくるかではなくて、どういう活動や役割を担っているのかということから職業を見ることができるわけです。それがとても重要だということを示したいと思います。文化産業従事者と文化的職業の差異を見てみましょう。それほど大きな違いはないということになるのですが、これはニューイングランドのボストンを対象にした調査です。 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ボストン地域において、労働者のうち4.1％が文化産業にたずさわる人たちですが、その全員が文化的労働者、あるいは芸術労働者というわけではありません。ただ、文化的労都市の芸術家たちでは、職業という切口からどのように創造都市を見たらいいのでしょうか。まず芸術家、文化的労働者がどのように近隣で生き、職業団体に所属し、組合をもち、社会でのネットワークを形成し、自立した企業家として活動しているかといった側面から芸術家、あるいは文化的労働者を見ることができます。また、芸術家というのはきわめて教育のレベル、研修のレベルが高いので、さらに大学やいわゆる学校教育だけではなくて、特定の業界でスキルを磨く、あるいはさまざまな業界を渡り歩く文化的労働者もいます。また、文化的労働者というのは非文化産業の製作や生産にも貢献するという特徴があります。さらに、文化的労働者は直接自分の作品を市内であるいは市外で販売することができるし、地元の消費者、コミュニティの活力に大きな貢献もできます。創造都市については、その市場で消費活動だけではなく都市に貢献するということです。アメリカにおける芸術家について少し重要な指摘をしたいと思います。アメリカの全アーティストのうち、約45％は自営です。特定の雇用主がいて賃金をもらって働いているのではありません。アメリカ全体においては、平均的に自営者は８％しかいません。アーティストや文筆業者、あるいはパフォーマンスアーティストという人たちは集合作品をつくるわけです。さらにビジュアルアーティストも自営の割合が高いと言えるでしょう。創造都市として、その職業集団としてアーティストを見るうえで重要な特徴は、自営業者が多いということです。また、芸術家だけではなくて、関連する文化的労働者としてデザイナー、メディアなどコミュニケーション分野の労働者の人たちは、自営業者の割合は低いけれども、だいたい、芸術家の２倍くらいの人数になると見積もられます。創造都市との関連で、労働者全体に占める芸術家の割合を見ていきましょう。おおよその感じとして、芸術家が特体を批判するひとつの手だてとしたわけです。30年経って、定の都市にどれほど集まっているか、集積しているか、まこの若者が日本に２年間留学し、舞踏の師匠について勉強たその理由は何かということを見ましょう。アメリカではし、いまはアメリカに帰って舞踏をやっています。東ヨーロサンゼルスにおいて芸術家の割合が、アメリカの主要都ロッパなどでも公演をしています。ほかにも仲間がいて、市の３倍になっています。そのほか重要な芸術都市サンフ舞踏を指導してもいます。とても興味深いアーティスト同ランシスコ、ニューヨークなどを見てみても同様です。ヒ士の交流の例です。ューストン、シリコンバレーといった急成長している都市アフリカンアメリカンの女性からなる、「アーバン・プッはアーティストの割合は比較的少なく、古い産業都市、工シュ・ウーマン」というグループがあります。彼女たちは業都市に集積しているところもあります。ミネアポリス、最近すばらしいプロジェクトをセネガルでおこないました。シアトル、ワシントンなどの中規模都市、それからポートセネガルでは全員男性のダンサーと一緒にコラボレーショランドも芸術家が占める割合が高いといえます。ひとつのンしたのです。アメリカの都市に住む女性ダンサーと、セ疑問はなぜかということでしょう。仮定としては、単に文ネガルに住む男性ダンサーが一緒に、セネガルとニューヨ化産業があるということだけではないということを申しあークで共同公演をやっています。げたいと思います。チュニジア村落の大衆民族音楽のミュージシャンとして、もうひとつ芸術家についておもしろい特徴は、これはリとても有名なＭＣライ（Rai）というチュニジア出身の若者チャード・フロリダと私が同意する数少ないポイントのひがいます。彼はサンフランシスコに移って、そこでこの民とつなのですが、それは移動率が高いということです。そ族音楽をさらに新しくし、さまざまな若いミュージックシの他の諸国からやってくる移民という観点からも、アメリーン、アメリカでさらに洗練されたものとし、現在では中カ国内の話でも移動率が高いということです。比較的創造東地域、チュニジアとアメリカの間を行ったり来たりして、性の高い職業では、アメリカの各地、州と州、あるいは都新しいかたちの音楽の公演をおこなっています。市から都市へとどんどん移動しています。アート、デザイ芸術家というのはいろいろなかたちで都市に貢献できるン、エンターテイメント、スポーツ、マスコミというのは、わけです。例えば本を書く、そして、他の地域の出版社が非常に移動率が高い職業です。95年から2000年にかけてのそれを出版して世界地域から印税がはいるといった貢献も割合を比較すると、ロサンゼルスではロサンゼルスに流入あるでしょう。さらに、ハリウッドは文化産業として経済してくるアーティストの割合が、流出していく人の２倍に全体に貢献していることも明らかです。なっています。このように芸術的に豊かな都市を形成してまた、文化産業以外の産業にも貢献します。例えば、ビいるということです。それからシカゴは流出する人の方がジュアルアーティストは、マーケティングというかたちで多く、ミネアポリスも流入するよりも流出するアーティスいわゆる文化産業以外の企業に貢献しています。また、パトの割合の方が多くなっています。フォーマンスアーティストは企業のなかでロールプレーな全体的に見て、世界のどこでも同じだと思いますが、若どのドラマをとおして労使関係を円滑にしています。アー手の芸術家というのは自分たちの故郷である小さいまちをトや文化は、域外への輸出という観点から見られがちです離れて大都市に移る、中規模であったら大都市に移っていが、同時に自分自身の地域、地元において芸術、ビジュアくという傾向があります。ミネソタでもそうで、地方にいルアート、あるいは舞台公演に行くことによって地元の消る人は少なくなります。若手の芸術家というのは大都市に費を促進し、芸術を促進することも可能です。進んでいくものです。市として文化ツーリズムに対して大きな貢献ができるとしかし、30歳以上になると反対になります。多くのビジしたら、それは明確な、強力な芸術環境、まずその地域にュアルアーティスト、あるいはアーティスト全般が大都市住んでいる芸術家を支援する環境を整備するということでではなくて中規模あるいは小都市といったもっと快適な都す。そうすれば、外からわざわざ芸術家をよんでくること市に移っています。さらに引退すると、アーティストはもも、それほど必要ではなくなるはずです。っと規模の小さいまちに移ります。もうすでに評判もあがリチャード・フロリダが言っていることですが、その地ったし実績もあるということで、ニューヨークやロサンゼ域の快適性を高めるということ、さらに芸術家は安定化とルスといった大都会に住み続ける必要はなくなったという活性化に役立ちます。多くの芸術家はアートを使って文化ことです。的なアイデンティティを生みだし、コミュニティの問題解決にも一役買っていると考えます。アーティストのネットワークではネットワーキングをするアーティストについて、芸術家にとっての3つの部門個々のアーティスト、それからアーティストグループがネでは、アメリカにおいて、彼らはどういった業界で仕事ットワークをつくるうえでいかに重要かということをお話しているのかを見てみます。まずビジュアルアーティストしします。シャーウッド・チェンという、第三世代の台湾です。アメリカではそのうち27％が自営ですが、文化産業系アメリカ人がいます。彼は若いころ、舞踏に関心がありでの仕事をしているわけではありません。次のふたつの大ました。この舞踏はきわめてアバンギャルドな日本の舞踊きな雇用分野が科学技術分野と専門的なデザインサービスでして、第二次世界大戦後につくられたものです。で、それぞれ20％と６％です。しかし、ロサンゼルスではこれはいわば日本の第二次世界大戦における役割を考え 20％におよぶ、非常に多くのビジュアルアーティストが映直すということであり、舞踏家のみなさんは日本舞踊の動画産業で働いています。アメリカ全体においてはこの産業き、踊りのスタイルをとって、それを逆さまにして社会全の占める割合は2.7％くらいです。つまり、彼らは、文化産国際シンポジウム﹁新・都市の時代︱創造都市の発展と連携を求めて﹂︱セッション２︱創造都市における芸術家の役割 45 280名のアーティストから回答をえました。商業分野でほとんどの収益をあげているという人は51％で、非営利部門からという人は32％、それからコミュニティ部門なのですが、ここはほとんどお金になっていません。芸術家のインタビューをとおしての調査からわかったおもしろいことは、芸術家はこういう異なる３つの部門で仕事をすることでどういうメリットがあるのかということです。まず、商業部門の仕事をすることによって芸術家としてのいろいろな習慣や慣例を学ぶことができるということ。評判や知名度が高まるということ、また、今後の制作の機会につながるようなネットワークがえられるということ。収益率も高いことなどがあげられています。非営利部門の仕事では、美的な満足感、新しいメディアを試すことができる。さまざまなアーティストとコラボレーションができる。それから、自分自身の情緒的なニーズを満たすことができることがあげられています。したがっ業以外のさまざまなところで仕事をしているということです。て、非営利部門の仕事も非常に大切に思われています。コミュニティ部門で仕事をするということも、コミュニまた、アメリカでは音楽家の３分の１が宗教団体で仕事ティの生活を豊かにし、文化的なアイデンティティを確立をしています。アメリカで宗教団体を文化産業と見なす人し、さらに社会正義という目標を達成するうえでも重要だはいないと思いますが、実際、多くのミュージシャンが宗と考えられているということがわかります。商業、非営利教団体で、例えばオルガンを弾く、コーラスの指揮をする部門、コミュニティ部門という３つの部門に切り分けて、というようなかたちで所得をえています。そのなかでいろいろと仕事をするということは非常に興味さらに、芸術家はとても重要な企業家にもなってきてい深いポイントです。ます。彼らがそれをできるかどうかは、どれだけ彼らが組ハリウッドで、100本以上の映画で演奏しているスタジオ織や自分たちの都市空間にきちんと組みこまれ、文化産業ミュージシャンが、ロサンゼルスのふたつの地域交響楽団以外の仕事もできるような状況になっているかにかかってでも仕事をしているというケースもあります。スタジオミいます。ュージシャンはまったくリハーサルができないのだそうである女性アーティストは、自分の作品を医療会社に販売す。音楽は調子が完璧でなければならないのに、リハーサするようになりました。ＭＲＩの検査室、透析の部屋といルなしに映画では演奏しなくてはならないわけです。さらうように、患者さんたちが動けない状態になるところに飾に、音楽１曲全体を演奏させてもらえるわけではなくて、っています。アートというのは癒しの一部であるというこその映画の一部分、ほんのワンフレーズしか演奏できないとです。とても興味深いうごきになっています。彼女はということで、本当にストレスを感じるそうです。 Impressions of Lightという企業をつくり、その作品はアメリカだけではなくさまざまな国の医療現場で使われていまイノベーションをおこす芸術家たちす。この何年間か、私はカリフォルニアの財団のもとで、ク何人かの芸術家のプロフィールをご紹介しましょう。彼ロスオーバー（CROSS OVER）というプロジェクトをおこらからは、伝統を重要視しながらも、どんどんイノベーシなってきました。アーティストが営利部門、非営利部門、ョンしていく姿勢が読みとれます。これまでオーセンティコミュニティ部門という３つのセクターそれぞれで、どのックなかたちで伝えられてきたものを変えてはいけないとようなキャリアをなしているかということを調査するプロいうのではなくて、どんどんイノベーションをおこしていジェクトです。カリフォルニア州というのはアートに対すて、それを他のコミュニティにも紹介しています。る資金提供を本当にやめてしまったのですが、私はこのよドリーナ・ブラウンというサンフランシスコの女優はアうな研究をしていました。まず、このプロジェクトでわかメリカン・コンサバトル・シアターのトップ女優で、現在、ったことは、アーティストがこの３つの部門において、い 50歳くらいです。少し年齢が高いために、非営利部門の劇ろいろやっているということです。場の仕事だけでは十分な収入がえられないということで、コマーシャルやビデオゲーム用のアフレコ（声優）をやっています。彼女は、カルメン・サンディエゴ（Carmen Sandiego）というマンガで声優をしました。彼女はアフリカンアメリカンの女性で、普通は皮膚の色などの制約があるのですが、商業部門での声優の世界ではそれは関係なく、いろいろな役ができたと言っていました。サンフランシスコ・オペラ劇場で音響技師をやっている 46 中華系の人は、ライオンダンスにもとり組んでいます。ライオンダンスは中華系の男性がおこなう非常に闘争的なダンスで、もともと女性は参加できなかったのですが、彼はアーティスト育成のための戦略それほど闘争的でないダンスにして女性も参加できるようにしました。第二世代のフィリピン系アメリカ人で、ＵＣＬＡに行ったジョード・ダシントさんは、フィリピンの舞踊などについては関心がなかったのですが、伝統的なフィリピンの踊りを知るようになってフィリピンに帰り、アメリカに戻ってきました。フィリピンの村で舞われていた伝統的なダンスを、いかにロサンゼルスの観客に見せるかということで苦労したようですが、いまや成功しています。現在、ロサンゼルスにあるアメリカ最大のフィリピン社会奉仕団体の代表をしているヒロ・コザカさんは、京都育ちの仏教寺院第22代僧侶です。もともとはマルチメディアアーティストなのですが、アメリカに行ってみて、本当に表現的でなくてはならないと気づいたそうです。アートというのはきわめて内生的なものだと思っていたので、ショックを受けたということでした。それでいったん京都に戻って、78年にアメリカのロサンゼルスに戻り、日系のコミュニティで自分のアートを日本のイベントを祝うために使うようになりました。とても創造的な活動をくりひろげています。ロサンゼルス全域で活動なさっていて、さらに日系アメリカ文化センターのアートディレクターとして日系コミュニティの方々と一緒に仕事もしています。そのコミュニティでは、日系の高齢者の方々に木版画を指導して、日本の故郷の地図づくりをしてもらっているそうです。コミュニティの若い人たちもまたこのようなプロジェクトをとおして、年配の日系の方々の経験を理解できるということでした。その後フィラデルフィアに行き、そちらの日系コミュニティでも同じようなプロジェクトをなさったそうです。マーカス・シェルビーは、ジャズ・ベーシストであり、ビッグバンドのリーダーです。ビッグバンドの伝統に基づいて、それを維持しつつ、それ以上の革新をおこなっています。また、ビジネスパートナーと一緒に、「カフェロイヤル」というカフェをサンフランシスコに開設しています。そこにはアートスペースもあります。まず壁にはビジュアルアートが飾られていて、１週間に１回、パフォーマンスをとおしてコミュニティサービスとしてジャズの歴史を教えています。彼はもうひとつ重要な非営利活動をやっています。彼がつくったビッグバンドの楽曲はＣＤになっているのですが、ポートシカゴがテーマです。ポートシカゴというのは第二次世界大戦中にアメリカでおこった災難で、 400人のアメリカのアフリカ系水夫が、爆薬が爆発して船とともに沈んでしまったのですが、その後、アフリカ系アメリカ人の水夫たちが労働条件の改正を求めて抵抗したために、みんな辞めさせられてしまったという事件です。彼は、カリフォルニアその他でこれをテーマにしたＣＤを発表して貢献しています。キース・ナイトという若いマンガ家は、iPodのアセンブリーライン（製造ライン）を描いた漫画のように、すばらしい作品を描いています。彼はBeginner's Guide to Communi- ty-Based Artsというマニュアルも書いています。営利目的のマンガ家として成功しているだけではなく、コミュニティ活動もしているのです。それでは都市がどのような戦略のもとにアーティストを育成し、ひきつけることができるのかということについて、より具体的に話をしてみたいと思います。いろいろなアートフォーム（芸術形式）は個人を主体にするものですので、大学をこえる意味でのトレーニング、あるいは育てるという意識が必要であろうと思います。アーティストには空間が必要ですので、それを提供するということ。また、アーティストを雇用するセクター間の協力も必要で、クロスオーバースタディーを終えた段階で 12ほどのセクターにレコメンデーション（推薦書）をだしております。それぞれアーティストのために何ができるのか、行政や財団としてアーティストに資金を提供するといった、セクター間の協力をいかに進めることができるのかということがあります。またアーバンデザインとプランニングというものも、文化の結節点（Node）づくりということにおいては重要ではないかと思っております。もう少しそれを詳しく見ていきましょう。みなさん、ジェーン・ジェイコブスの著書 The Death and Life of Great American Citiesをどれくらいお読みになったことがありますか。ジェーン・ジェイコブスはニューヨークのリトルイタリーやチャイナタウン、ソーホー、グリニッジビレッジなどについていろいろ書いています。彼女は、それらの地域が人々をひきつけていると言っています。すなわち、穴が開いているように、境界をこえてどんどん人がそれらの地域にひきつけられていき、文化的なパフォーマンスを近隣区で経験して、また自分の住んでいるところに戻っていく。こういう分散化した文化の節目が街中にあるということです。その一方で、ニューヨークで言うならばシビックセンターのような、中央化した場所についても述べています。そこにはまったくいいレストランもなく、車で行かなくてはならず、地下駐車場に車をとめなければなりません。ニューヨークのリンカーンセンターには、そのまわりにあまりいいレストランがないし、デッドスペースになってしまっています。そのような中央の１カ所に集めたようなかたちが本当にいいのかということで、このふたつを対比しています。つまり、ローカル対リージョナルな参加ということと、例えばビルバオのようなかたちで、アートセンターをツーリスト相手につくるのかという対比も考えることができると思います。そこで、３つのスペースについて話します。都市のなかには、市の行政、ＮＰＯをつうじて、あるいはアーティスト自身が連携をすることによって、創造的に使うことができる既存のスペースがあると思います。例えば、ミネアポリスにあるオープン・ブック（Open Book）というアーテ国際シンポジウム﹁新・都市の時代︱創造都市の発展と連携を求めて﹂︱セッション２︱創造都市における芸術家の役割ィストセンターには、ロフトやリテラリーセンターがあります。ここでの集まりは、30年以上前にミネソタ大学の詩人たちがはじめたもので、大学を去った後、いろいろ詩について語りあうところが欲しいということで設けられました。また、ミネソタ書物芸術センター（Minnesota Center for the Book Arts）というところがあります。誰でも参加でき、作業に専念できるスペースには、アーティストがデザインした家具が置かれています。閲覧室などで本を読んだ後、こういったところに集まって人が話をする、語りあう 47 わけです。そしていろいろな講習クラスも提供しておりま新しくジャン・ヌーヴェルが設計しましたガスリー・シす。アマチュア向け、あるいはプロの小説家向けというクアターは、資源をあまりにも大きなものに投じた結果できラスもあります。作家の人たちもお金をもらってものを教た、巨大スペースです。シアターが３つあり、実験的なシえるという機会をえることができますし、また、ものを書アターを近隣にもっていますが、なかなか満席にはなりまく人たちに使ってもらえるスタジオ、つまり喧噪から離れせん。また、ミネアポリスにツーリストとして来る人も少て、家庭や職場から離れて静かに書き物ができるスペースなく、人が集まりません。われわれ地域住民も、こういうを提供しております。電話もなく、コンピューターもない、ところに行くには結構お金がかかります。そして、こうい座りやすい椅子と机、ちょっとした荷物をしまえるロッカったものは非常に威圧的な建築で、なかなか近寄りがたいーがあるだけのスペースです。ものです。ミネソタ出身で韓国系の作家、ジェーン・ジョン・トレミネアポリスには、「獣の心劇場（Heart of the Beast ンカ（Jane Jeong Trenka）は、孤児としてアメリカに連れ Theater）」と呼ばれる小規模なシアターもあります。以前てこられ、ロフトやリテラリーセンターで勉強した後、『血はポルノをやっていたのですが、いまは人形劇の劇場になの言葉』というタイトルで、韓国系アメリカ人として養子っています。オリジナルの音楽をとりいれながら世界中のになった経験を書いた本をだしています。いまでは彼女はいろいろなアートの形態をとりいれて上演しています。そミネソタと韓国を行ったり来たりしています。の周りにラテンコミュニティができ、それもとりこんで、脚本家のためのセンター、プレイライトセンターもあり最終的に、シアターの劇場のすぐ真向かいの建物をラテンます。脚本家を志す人たちがシナリオを書くことを学ぶたの商人たちが、自分たちの営業地区のなかにコミュニティめに来ることができるわけです。そこには、「オーディエンの一部としてとりいれています。スを歓迎するためにスペースをつくってくれてありがとう」というポスターが貼ってあります。プリントメイキング・センターと呼ばれているものもあります。これらはすべてアーティストがアーティストのためにつくったもので、ア最後にあと２∼３、お話ししたいと思います。いったいーティスト同士お互いに教えあったり、あるいはお互いにこれから創造都市に対して何ができるのか。アーティストいろいろなものを制作することができる場です。はどのように育てていけばいいのかということですが、ま染色・繊維関係のテキスタイルセンターもあります。ず、都市に関して言えることは非常に多様であるというこインターメディアアートというマルチメディアセンターとです。アーティストの分布を見ると、ロサンゼルスにアは、ビデオから出発したのですが、いまでは非常に多様なーティストたちが非常に集中しています。また、人口比でコミュニティに場を提供しています。見ると西ハリウッドにも集中しています。アーティストのここで強調したいことは、こうしたアーティストセンタ集中度は全米水準を上まわっています。ーが分散しているということです。ひとつのところに集中興味深いのは、その分布が分野別に分かれていることでしているわけではなく、分散していることによって非常にす。舞台芸術家の多いところは、ハリウッドなどです。ミ豊かな環境が生まれているわけです。ツインシティの間にュージシャンはもっと分散していますし、ビジュアルアー劇場も分散しております。いくつかまとまったところもあティストも分散しています。ハリウッドにももちろんビジりますが、それで相乗効果をえることもできます。都市のュアルアーティストもいますし、物書きもいます。ハリウ役割というのは、こういう建物をまず提供することです。ッドというのは脚本と映像が合体したところですので、同しかし、それを運営するのは、ＮＰＯであったり財団であじように集中しています。ったり、あるいは会費を徴収することで運営されています。ラテンのコミュニティが少しありますが、ほとんどがミ誰でも参加できる。誰も差別しない。また、自分の作品をュージシャン、マリアッチの演奏家であったり、レストラ見せたければ、常にどこかにそうした場をもつことができンで演奏する人たちです。したがって、ロサンゼルスの文る、そういったことがとても重要なのです。化政策は、郡にしても市にしても大規模なアートファンドもうひとつご紹介したいスペースは、アーティストのをもっていて、非常によくやっていると思います。いろい食・住のための建物です。セントポールの空き物件で、天ろなアーティストを育て、活動させているということはま井が落ちてしまっていたのですが、Artists Space Inc.というちがいないと思います。ＮＰＯがそれをひきうけて、全米的につくったアーティス都市のレベルにおいて重要なことは、独特の文化産業にト向けの住宅には、いろいろなアーティストが集まっていターゲットをおいて、職業や芸術形式を育てていくことだます。デ=ジュニウス・ヒューズ（De Junius Hughes）といと思います。そして、都市にとっては大規模な劇場を有名う映画制作者らが中心となって、アートクロールというツな建築家に建ててもらうということ以外にも、その財源をアーもおこなわれています。オープンハウス的にいろいろつぎこむところは他にいくらでもあると思います。規模的なものに市民が触れることができ、また可視性（visibility）にも、また趣味としても、独特の文化をその地域に提供すもえることができるうえに、アーティスト同士も集まりやるという意味では、まだまだほかにいくらでもやることがすいというのが、こういう食・住の建物の特徴です。同じあると思います。空間を共有することによって、それが可能になるわけです。 48 文化産業へのスペース提供また、助成金についてですが、シアトル市の場合には、元印刷工場が、アーティスト向けの食・住の建物になっ音楽と映画の助成オフィスを設置しています。若者たちをた例もあります。ほかのふたつの建物を使いたいとアーテひきつけるためにそのふたつの分野が非常に重要だというィストが言ったときに、この近隣区に建ててくれればそれことを認識してのことであります。他の都市でそれほどまを後押しすると言ってくれたところがあったからです。でのことをやっているところはありません。ふたつ目に、アートや文化的職業を、小規模でもいいのマイノリティのカルチャーというものがいかに苦しんできで分散化したかたちで、適当なスペースを提供することにたかを考えたうえで、スペースを提供しなければいけないよって育成していくことが重要です。例えば、いろいろなということだと思います。かたちで、スペース、機械、道具などもシェアしていくわけです。ネットワーキングが、アーティスト間でおこるようなかたちにもっていくことが重要なわけです。これは外部のアーティストもとりいれていく。有名なビジュアルアーティストや、有名なライターたちすべてに耳を傾けるような機会を与えるということも重要だと思います。多くのアーティストにとってどれだけの苦難が待ち受けているのか、有名な人であってもどれだけ苦労したのかということを知らない人たちも多いので、ふれあいをつくることが重要です。３つ目に、大きなものを集中してつくるよりも、小さな分散化した文化ノード（結節点）をつくるべきです。４つ目に、地方自治体、パトロン、ファンダー（基金寄付者）、そしてアーティストの組織といったものの強みと弱みを理解し、文化産業、企業を巻き込むことが必要です。私は20くらいの都市を研究対象にしており、どれだけ文化産業が苦しんできたのか、いまどういうアクションプランをおこなっているのかということもわかっています。今朝でたようなすばらしいアイディアを実現するために、自分たちがいかに難しさを感じているのかを理解しなければならないと思います。また、都市間のネットワーキングということに関しては、独特な文化、アートの業績というもの、お互いに理解しあう、鑑賞しあうということが意識として重要です。競争ではなくてお互いに賞賛しあうということだと思います。みんなアメリカのニューオリンズが好きなのは、そういった文化がミックスしているからだと思います。大阪でも、みなさんの都市で活躍するアーティストたちは非常にすばらしい資産をもっているはずです。ですから彼らのアイディアを使って、さらにネットワークを進めていかなくてはなりません。実験をしながら、伝統にも留意して、イノベーションにとりくむ必要があります。ネイティブアメリカンの文化というのは、実はサンタフェやその他のアメリカ南西部でおきたことを反映しています。ネイティブアメリカンのアーティストは、かたや自分のアートで生計をたてることに苦労しておりました。白人の人たちは「伝統アートにだけに集中すればいい。あなたたちの伝統を守りなさい」と言い続けてきました。しかし今度は、「あなたたちはモダンアーティストにならければ助けてあげられない」と言われたわけです。そのときに彼らは「自分たちはどちらにもならない。別に伝統的なアートだけでもなく、モダンアートだけでもなく、自分たちのやり方でやる」と言い続けて、アメリカンインディアンのア国際シンポジウム﹁新・都市の時代︱創造都市の発展と連携を求めて﹂︱セッション２︱創造都市における芸術家の役割ートセンターというすばらしいものが、そこにできあがったのです。それがネイティブアメリカンのアート活動のセンターにもなっているのです。アメリカの白人の若いアーティストは何をやってもいいわけですけれども、私の地域に住んでいるネイティブアメリカンは、かわったことをすると、「それは伝統的なアートではない。もっと伝統に戻れよ」と言われるか、あるいは「それは単に伝統をなぞっているだけではないか。イノベーティブではないから、もう資金はあげられない」と言われてしまうわけです。ですからわれわれにとって重要なのは、 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