～絵画とともに聴く古楽須田純一（銀座本店）第42回最愛の妻へ捧げる哀悼作 J.S.バッハ：無伴奏ヴァイオリン・パルティータ第2番より「シャコンヌ」ミドリ・ザイラー（バロック・ヴァイオリン）（「J.S.バッハ：無伴奏ヴァイオリンのためのパルティータ集」に所収） ▲モネ：死の床のカミーユ・モネ　パリ、オルセー美術館 ■CD：BC1672　輸入盤オープンプライス〈Berlin Classics〉日本では20世紀も後半まで、西洋絵画と言えば印象派というイメージがとても強かったのではないかと思います。全国あちらこちらで印象派展と銘打った展覧会が開かれ、大企業はこぞって印象派の画家たちの作品を買い漁っていました。なにやら「印象派こそが最高の絵画だ」というイメージが無批判に漂っていたことさえもあったようです。しかし現在では様々な時代の絵画、様々な国の絵画が積極的に紹介されるようになり、印象派一辺倒という状況は打破されました。だからといって印象派の評価が下がったわけではなく、絵画史における確固たる地位を保っていることは間違いありません。相変わらず印象派の人気は根強いものがあります。その大人気の印象派の中の代表的画家といえばクロード・モネをおいて他にいないでしょう。何といっても印象派という言葉を生んだのがモネの「印象・日の出」という作品だったのですから。さて、モネと言えば「睡蓮」など、身近な自然の美しく変化に富んだ色彩を捉えた風景画がその絵画の中心となりますが、そうしたモネ作品の中で異色作と言えるのが今回取り上げた「死の床のカミーユ・モネ」です。これはモネが32歳という若さで亡くなる最初の妻カミーユの病床の姿を描いたものです。モネは死の床にあるカミーユを見て「私はもはや動かなくなった彼女の顔に、死が加え続ける色の変化を機械的に写し取っている自分に気付いた」と語ったと言われています。この発言は一般的に、モネが一人の夫である前に、一人の画家であるという、芸術家としての業を示したものだと捉えられています。死に逝くカミーユの顔色の変化に、色彩に極めて鋭い感性を示したモネの画家としての目が注目したことは間違いないでしょう。ですが、作品を見てみるとモネの他の作品には見られない、非常に感情的な粗い筆致が見られます。カミーユに対する深い愛情、永遠の別れに対する恐れ、悲しみ、そして病床の妻に何もしてやれない自らのふがいなさ、そうした複雑な感情がここには読み取れはしないでしょうか。「死の床のカミーユ・モネ」はモネ作品の中でもっともその感情がストレートに現れた妻への追悼作品なのです。さて、話を音楽の方へ向かわせましょう。このモネの作品のような妻への追悼作品というものが、この連載が扱っている時代の音楽にもあるでしょうか。もし、それがバッハの「シャコンヌ」だと言ったらいかがでしょうか。この説はなにも私が提唱した新説でもなんでもなく、少し前から頻繁に語られているものです。あの「シャコンヌ」が実は、バッハの最初の妻マリア・バルバラの死に寄せるものだったという説はなんとも魅力的であり、大変な反響がありました。この説を基にしたアルバムもいくつか作られ、大きな話題にもなりました。しかしもちろん反対説も多数あり、例えば、「現代のバッハ」とも呼ばれている大御所レオンハルトは「妻の葬式にダンス音楽であるシャコンヌをかける気にはならない」というような発言も残しているそうです。バッハ演奏・研究の権威であるヘルムート・リリングもこの説には懐疑的でした。このようにシャコンヌが追悼曲である決定的証拠は存在せず、あくまで反対意見も多い仮説の一つにすぎません。しかしそれでもなおシャコンヌが特別な作品であることも疑いようがありません。なぜなら「無伴奏ヴァイオリンのためのソナタとパルティータ」という３つのソナタと３つのパルティータから成る曲集の中で、シャコンヌは異例な長さを持っているからです。演奏によって異なりますが、他の楽章がだいたい2∼6分くらいまでなのに対して、シャコンヌは13∼15分程度の演奏時間を要しています。これは、長さだけを問題にするならば曲集全体のバランスを崩すほどの異質な存在となります。このことがシャコンヌを単体として有名作にしました。実際に聴いてみても、この曲が単体として強い存在感を持っていることはすぐに分かります。聴き手になにか特別な曲だという印象を強く与えるのではないでしょうか。ブラームスやブゾーニら後の作曲家たちもこのシャコンヌになにかしらの思いを感じて編曲を施していたのではないでしょうか。私も祖母を亡くした時に、たまたまこの曲を聴いていた（チェンバロへの編曲の形ではありましたが）という経験もあって、シャコンヌに惜別の思いを抱いてしまう一人です。シャコンヌについて少し調べてみますと以下のようなことが分かります。元々シャコンヌとはおそらくスペイン起源であるという、特定の音階や和声進行を繰り返すバッソ・オスティナートを持つ舞曲のことで、17世紀のイタリアでチャッコーナとして幅広く流行したとのことです。ちょっとでも17世紀イタリア音楽を眺めてみれば、声楽にも器楽にも使われている例をすぐにでも発見でき、その流行の程が良く分かります。そのイタリア音楽の強い影響下にあった17世紀のドイツでもチャッコーナは様々な作品に用いられていきます。もちろん舞曲は世俗に属する音楽ですが、教会の中でもオルガン作品として用いられたり、宗教合唱曲に用いられたりしていきます。ですから、18世紀ドイツの作曲家であるバッハのシャコンヌを宗教的作品、すなわち追悼音楽と捉えることもあながち完全否定できるものではないようです。そのような訳で、私はシャコンヌに特別な思いを感じ、今ではシャコンヌを聴く場合はどうしても追悼曲だという観点から聴いてしまいます。そんな中で最近感銘を受けたのが、ミドリ・ザイラーによる録音です。まだ古楽演奏が出始めのころは、バロック・ヴァイオリンの演奏自体も技術的に難しく、バッハの作品をバロック・ヴァイオリンで演奏したということに重きが置かれていたような印象がありました。ロマン主義的な感情は排除し、進んだ研究を基にしながら作品に真摯に向き合うという姿勢はバッハの音楽に新たな光を当て、現在のバッハ演奏の発展に大きな寄与をしていることは間違いありません。それでも現在では古楽演奏も様々になってきました。音楽の中から感情を排するのではなく、音楽に宿る感情をその時代の様式に合わせながら強く表現していくという姿勢を示す演奏家も出て来ました。古楽演奏をしっかりと理解した上で、あえて強い感情に訴えていくその方法はこれまでの古楽演奏とはまた少し異なる方法論であり、これも一つの解釈の手段であると思います。このミドリ・ザイラーの演奏はそうした中の最上の例ではないかと思います。テンポは揺れ動き、時に感情的とも取れる表現さえ聴かれますが、それがきちんと古楽演奏に則した技術の中に置かれています。それが迫真の表現となり、強い説得力を生んでいるのです。この演奏を聴くと、シャコンヌはバッハが最愛の妻との良き思い出を込め、その早すぎる死に対する哀悼の念を込めた作品だと感じられるのです。時代も国も異なるモネとバッハ。ですが、死せる最愛の妻の思い出を作品にしたい、その思いは同じだったのかもしれません。